Mimesis (A Natureza Produz Semelhanças) é uma série de fotografias em preto e branco criadas entre 1972-1973 por Barbara e Michael Leisgen. Nelas, o corpo de Barbara se funde às linhas da paisagem, como se ela pudesse influenciar nas formas das montanhas e terrenos.

“Na década de 1970, os primeiros trabalhos de Barbara e Michael Leisgen vieram como contraponto à fotografia conceitual. [...] A gravação de uma marca natural, a pesquisa do corpo como tema e experiências com arte de Solo. A silhueta de Barbara é definida, e deixa seu rastro fugaz em paisagens. [...] Não é meramente a imitação da natureza através dos gestos.” - Frédéric Maufras

De certa forma, as fotografias dão uma espécie de poder transformador à Barbara, como se ela fosse imperiosa e maior do que o Mundo, controladora dos desenhos da natureza – a paisagem a torna infinita. Pode parecer poético demais, mas não é esta a intenção? Ao meu ver, Barbara e Michael Leisgen parecem os precursores das famosas fotos de gente segurando ou engolindo o sol – com a diferença que estes últimos têm um péssimo gosto (sem generalizar).

Detalhe da luminária

Criada pela humans since 1982 com inspiração nas coleções entomológicas de insetos, a Collection of Light é uma luminária fora de série – feita com dezenas de pequenos LEDs, inteligentemente posicionados e catalogados com nome, tamanho e temperatura de cor, arranjados de forma a obter uma iluminação harmoniosa, cujo objetivo é criar uma “aura de coleção real e expor cada lâmpada como um digno produto industrial”.

Adoro a simplicidade e genialidade da ideia – mais até do que do conceito – e principalmente o cuidado e harmonia da peça. É difícil concebe-la como luminária ao invés de obra de arte conceitual, é uma peça que não se mistura com qualquer coisa, ela pede uma parede somente para ela, destacando-a. Acho que poderia ficar boa em um ambiente com esta cadeira.

Ontem eu fui ao cinema assistir Star Wars: A Ameaça Fantasma em 3D, e afirmo que a experiência foi exatamente a que eu estava esperando – nada de mais. Quero dizer, sou obviamente muito fã de Star Wars e ir assistir a um dos filmes no cinema é sempre emocionante mas, na minha opinião, converter um filme para 3D não dá certo. Não funcionou direito com Star Wars e nem com outros filmes. Pois existe uma diferença entre “filmes 3D” e “Filmes 3D”. Eis o que eu acho:

Primeiro, Star Wars não foi imaginado para ser exibido em 3 dimensões, e portanto possui enquadramentos e dinâmicas de cena que não se encaixam de maneira agradável. Por exemplo, quando um objeto ultrapassa os limites da tela, ele perde as “propriedades tridimensionais”, quero dizer, se um rosto está em close-up e a testa do ator está cortada, então nós podemos ver volume no nariz, nas bochechas, mas a testa fica achatada por causa do corte. Objetos no fundo não são afetados, mas coisas que estão bem próximas aparentam mais este “problema”. Este achatamento era bastante visível nas árvores de Alice in Wonderland.

Software 3D Dimensionalization da In-Three

Segundo, um filme feito em 2D convertido não é a mesma coisa que um filme feito em 3D. Eu não manjo muita coisa sobre “tridimensionalização” mas sei que existe diferença entre gravar com câmeras com 2 lentes e usar um software para simular volume. Por melhor que seja o processo de conversão – como feito, quadro a quadro, na In-Three Inc. – o olho percebe as diferenças, por menores que sejam. Até porque, mesmo no mais minucioso trabalho, alguns objetos e detalhes menores não recebem um tratamento de volume, porque não são importantes para a cena e, obviamente, para reduzir o tempo gasto no trabalho, devido a custo e prazo. Isto não acontece usando-se uma câmera estereoscópica – todo objeto tem volume, por menor que seja.

Jim the Penman (1915)

Veja bem, filmes 3D existem desde 1915, e a tecnologia está evoluindo tão rapidamente nos últimos anos que eu acho preferível filmar com uma câmera estereoscópica, apesar de ser mais caro e muito mais complicado. A vantagem de fazer 3D com software é que o diretor tem controle artístico da intensidade de volume e profundidade, mas acredito não ter visto nada inovador neste quesito.

Terceiro, as cores, saturação e brilho de Star Wars não foram planejados para filme 3D e, por causa disso, as cenas ficam muito escuras e perdem definição. Isto não acontece com Avatar e muito provavelmente não acontecerá com O Hobbit, porque são filmes cujas cores foram planejadas para superar as lentes escuras dos óculos.

Por fim, tenho dúvidas se o 3D realmente adiciona alguma coisa à estória. Claro, é uma experiência diferente assistir ao filme 3D, embora os óculos ainda atrapalhem muito e escureçam significativamente a imagem então, por enquanto, prefiro assistir aos filmes todos planos, mesmo.

Um dos meus comerciais favoritos do ano passado mostra como seria o nosso dia-a-dia se tudo funcionasse com gasolina. Eu não gostaria de viver em um mundo assim! Achei a sacada tão boa de mostrar o quão incômodo é o motor à combustão, quero dizer, estamos tão acostumados com os carros que não damos bola para a sujeira que eles fazem, mas quando a fumaça vem na sua cara e transforma tudo ao seu redor em imundice, aí a história é diferente.

Criado pela TBWA, o clima do filme é impactante e, se não faz com você, pelo menos me faz questionar se ainda estamos tão dependentes do motor à combustão. Claro que começar a transformar todos os veículos em elétricos não é tarefa fácil e nem politicamente vantajosa, mas necessária. Apesar de que os carros elétricos dependerão da energia gerada em usinas poluidoras, acredito que tenhamos que partir de algum lugar. Eu vejo um futuro com geração de energia limpa e renovável, e um ar bem melhor pra gente respirar… e espero que este comercial inspire outras pessoas também.

Ah, está aí um bom design. É realmente chato ter que parar a diversão pra ter que colocar a camisinha*, ainda mais porque ela é melequenta e o pacotinho é uma droga pra abrir – então Willem van Renburg vem com uma solução geniosa, a Pronto. Usando a própria embalagem como “ferramenta”, a pessoa consegue colocar o preservativo em mais ou menos uns 4 segundos, quebrando o pacote que serve quase como uma daquelas coisas que a gente usa para calçar sapatos.

Agora, o que eu acho ridículo: Willem defende que, como a Pronto é muito mais rápida de usar do que uma camisinha comum, as pessoas não vão ignora-la, já que os 4 segundos gastos para colocar a Pronto não estragam o tesão de ninguém. Qual é! O que Willem diz é até sensato, o que eu acho ridículo é as pessoas não usarem a camisinha porque “demora para colocar e aí elas perdem a vontade”… mi mi mi, é isso que eu acho! Diga olá para os bebês e as DSTs!

Não importa se eu acho burrice não usar camisinha, este é um problema real e é ele que o design da embalagem da Pronto quer resolver. Eu nunca havia ouvido falar em redesign de embalagem de preserativos, então para mim este é excelente.

*Que fique claro que, não é porque é chato, que não seja absolutamente necessário! Eu acho ridículo que, em pleno século XXI, ainda tenha gente que acha que não precisa usar camisinha… come on, you idiots!

O que é mais legal do que juntar duas das coisas que eu mais gosto: tattoo e Lego? Criados pela agência Grey de Barcelona, os bonequinhos ganharam muito mais personalidade para anunciar as canetas super finas. Na minha opinião, não fosse a caneta Pilot do lado, estes anúncios dariam belos posteres. A sacada de tatuar os bonecos de Lego para mostrar o quão fina é a ponta da Pilot é boa, mas eu gostaria de experimentar estas canetas, para ver se dá mesmo para desenhar linhas tão finas. Para ser sincero, eu apanhei para desenhar no meu toy, que é maior do que Lego, então haja prática (ou Photoshop) para fazer desenhos tão detalhados em figuras tão pequenas!

Além do que, tenho dúvidas sobre esta caneta desenhar em plástico – pode até dar certo, ou então pode ser um desastre. Outro dia desenhei em umas caixinhas de som que comprei, usando uma Posca, e tinham linhas que saíam perfeitas, bem pretas e uniformes… e outras saíam uma caca, cheias de bolhas e parecia até que a tinta não aderia ao plástico! Noutras palavras, se a Posca – que a gente sabe que escreve em tudo – dava errado às vezes, então não sei quanto à Pilot.

Eu admito que estou sem inspiração nenhuma desde que começou o ano… sim, eu me incomodo com isto, mas continuo buscando inspiração, referências e opiniões por aí. O problema é que estou com a cabeça em outro lugar, mas acho que isso deve passar logo.

De qualquer maneira, aproveito para postar sobre coisas mais “bobas”, ou que eu precise pensar menos… =) 

Bradley Lewis é, sem dúvida, um apaixonado por Star Wars e extremamente habilidoso com ferramentas e metal. O cara construiu réplicas dos sabres da primeira trilogia que são superiores à oferta de sabres que vemos “por aí”, provavelmente até melhores do que os Force FX e Master Replicas. Aliás, Brad usa algumas partes de sabres da Master Replicas, como a lâmina, microchips e um ou outro detalhe, mas o melhor de tudo foi encontrar e usar um pedaço de um flash Graflex – das décadas de 30 e 40 – para montar o sabre do Luke Skywalker, da mesma maneira que fizeram no filme.

Mas, para mim, o que tem de mais especial nos sabres de Brad Lewis é que, não só ele reproduz o exterior dos sabres, mas também cria o interior, e é aí que a imaginação do cara vêm à tona. Apesar de todos nós sabermos como um sabre de luz funciona, ninguém viu um por dentro, então cabe ao fazedor de réplicas pensar a forma mais realista de cria-lo, e esta etapa inclui altos níveis de interpretação e gosto pessoal (sem contar um bom conhecimento de engenharia e elétrica, claro).

Projeto do sabre de luz

Outra coisa que me deixou bastante feliz de ter encontrado o Slothfurnace é que Brad registra todo o processo de criação – do projeto ao produto final. E isto é sempre muito bom! Como designer, eu amo processos de criação, claro. Aham, vale muito a pena entrar no site do cara e olhar todos os sabres que ele fez, ler todo o depoimento dele e ficar sonhando em, um dia, ter um desses em casa.

Como não tenho dinheiro sobrando para comprar uma réplica, me contento com o Ultimate FX da Hasbro que comprei, mas já estou planejando as alterações que vou fazer nele, que serão mais do que somente uma pintura nova – aí quero postar o meu processo de mod aqui.

Eu me preocupo em sempre citar os autores e seus respectivos sites, perfis, etc. mas, me desculpe… mesmo usando o Google Translate, eu não consegui nem descobrir o nome da (acredito que seja uma mulher) coreana que faz estes bichinhos de pelúcia super criativos, sendo assim, vou chama-la de Ksnoopyfr. O blog, sem problema, está aqui.

Pois bem, Ksnoopyfr transforma os desenhos de seus filhos em bichinhos de pelúcia super amigáveis. Sendo bastante fiel às criações das crianças, reproduzindo as formas, linhas, rabiscos e cores, ela dá vida aos bichinhos e uma terceira dimensão à brincadeira. É preciso bastante sensibilidade e um pouco de desapego da vida adulta para transformar desenhos infantis em objetos, e isso os torna especiais. Meus favoritos são os bichinhos mais esquisitos – quanto mais infantil o desenho, mais carismático e divertido o brinquedo.

Mudando de assunto, vale notar, pelos posts do blog da Ksnoopyfr, o quanto ela incentiva a criatividade e a visão artística de seus filhos. Todos nós sabemos que isto só pode dar bons frutos no futuro. São dezenas de páginas (e em coreano), mas vale a pena dar uma boa olhada no blog da Ksnoopyfr.

Desde que eu comprei o Skyward Sword no Natal, voltei a prestar atenção em Legend of Zelda – coisa que eu não fazia desde Majora’s Mask, em 2000 – primeiro porque é uma edição de 25 anos da franquia, segundo porque li tanta coisa boa, que não podia não comprar. Além do que, o Link se parece um adulto e não uma criança cabeçuda ou um cachorro.

Enfim, uma hora dessas apareceu pra mim este video aí em cima, criado pelo animador canadense Joel Furtado, que trabalhou na produção de Need for Speed: Underground 2, entre outros. O que eu mais gosto em produções fan made é a liberdade que os artistas têm ao criar seus personagens, enredos e coisas do tipo – em um estilo “tudo pode acontecer”, então não é nem surpresa que muitos fãs se tornem parte da equipe de desenvolvedores de várias empresas de filmes e games.

O trailer para uma sequência imaginária de The Legend of Zelda: Wind Waker ficou mesmo muito bom, levando-se em consideração que, mesmo Joel sendo animador profissional, fez o trailer em seu tempo livre. Também não sei dizer se este era o melhor video para se falar de fan made mas, como eu estava com saudade de Zelda, vai este mesmo.

Pronto! Finalmente este assunto da Luiza chegou até mim. Pode me chamar de alienado ou qualquer coisa que você quiser, mas eu não fico ligado às redes sociais e estava totalmente por fora deste assunto. A primeira vez que ouvi falar da tal da Luiza, foi uma colega de trabalho que falou e eu achei que ela estivesse falando de alguma amiga nossa em comum – pff, mal sabia eu! Bum, de um dia pro outro, eu passei a notar essa nova moda de “está no Canadá” e, de repente, as empresas estão fazendo propaganda com a frase, com o pai da menina e, agora que ela voltou, com ela também.

Eu dou graças a Deus por não ter feito parte de nenhuma dessas conversinhas, piadinhas e quaisquer coisinhas que vocês andaram vendo por aí mas, como a história acabou chegando em mim, principalmente porque a TAM fez uma jogada, a Vivo e outros*, um comercial e, inclusive, vi notícias nos telejornais, quero dar a minha opinião também:

Ainda acho que existem alguns limites para o que é passageiro e o que é realmente importante. Alguém achou engraçado o pai da menina mencionar que ela estava no Canadá e decidiu fazer piada disto e, como nada anda devagar na internet, por algum motivo que eu ainda não consigo entender, a frase virou meme, e a menina que nada tinha a ver com isto, acabou virando (odeio esta palavra) celebridade da internet. Celebridade da internet? Sério?

Não tenho problema nenhum com memes, até acho que um ou outro é engraçado… mas o que me incomoda é que este foi tratado como algo muito maior e mais importante, tanto é que tem empresas fazendo propaganda com isto! E pra piorar, o povo transforma UMA FRASE em notícia, banca a passagem da menina de volta para o Brasil, vai transmitir a chegada dela no aeroporto ao vivo, faz entrevista, matéria, artigo em jornal, enredo de escola de samba e até convida a menina para desfilar no SPFW! Credo, cara! Será que tudo isso é tão necessário para um bando de sanguessugas chamarem a atenção?!

Sério, até camiseta?

Quero dizer, semana que vem, a matéria chave do Fantástico vai ser aquele video dos gatos do eHarmony? Uma coisa é passarem alguns dias fazendo graça na internet, outra é fazer disso notícia.

A gente já se afunda na ignorância com programas como Ratinho e Big Brother, e até em alguns jornais de segunda categoria, mas “menina volta pra casa” já parece desespero, para mim. Uma coisa é dizer que se está “antenado” e ligado às redes sociais e à internet, outra é essa bagunça toda. E não terá sido a última vez. Tem uma ótima opinião para ler neste link.

Ah, e que fique claro que meu problema não é com a Luiza, ok? Meu problema é com o que as pessoas transformaram esta história toda.

* a única ação que eu achei divertida de verdade foi a da Magazine Luiza, que tirou o nome Luiza da fachada da loja.